AURORA | screen print series
EN
Like an instrument builder, I construct printing forms, plates, and stencils; during the printing process, the music emerges.
Inspired by the changing nature of colours and light, the screen printing series “Aurora” that I am currently developing symbolises a broader experiment and project around working with colour layers and the interference between grid patterns and colours to create subtle gradients. I aim to fully integrate the printing technique itself, in this case, screen printing, as fully as possible into the creative process. The 'colour image' literally takes shape during the printing process.
To take this concept as far as possible, for this project I am trying to break away from 'form' or direct representation as much as possible. The colour gradients you see on the surface result from a design concept that comes to life only when applied in a printing technique. In other words, the colours appear during the printing.
More so, I try to make the colours appear above the surface by using chromatic induction and optical colour blending where colours appear on top of the printed surface; giving the flat print a multidimensional effect. Through layers upon layers and the use of transparent colour layers, the screen print takes shape. This working method also shows the way in which I prefer to practise Printmaking. Like an instrument builder, I construct print forms, plates and stencils; during the printing process, the music emerges.
Like an instrument builder, I construct printing forms, plates, and stencils; during the printing process, the music emerges.
Inspired by the changing nature of colours and light, the screen printing series “Aurora” that I am currently developing symbolises a broader experiment and project around working with colour layers and the interference between grid patterns and colours to create subtle gradients. I aim to fully integrate the printing technique itself, in this case, screen printing, as fully as possible into the creative process. The 'colour image' literally takes shape during the printing process.
To take this concept as far as possible, for this project I am trying to break away from 'form' or direct representation as much as possible. The colour gradients you see on the surface result from a design concept that comes to life only when applied in a printing technique. In other words, the colours appear during the printing.
More so, I try to make the colours appear above the surface by using chromatic induction and optical colour blending where colours appear on top of the printed surface; giving the flat print a multidimensional effect. Through layers upon layers and the use of transparent colour layers, the screen print takes shape. This working method also shows the way in which I prefer to practise Printmaking. Like an instrument builder, I construct print forms, plates and stencils; during the printing process, the music emerges.
NL
Als een instrumentenbouwer construeer ik drukvormen, platen en sjablonen; tijdens het drukproces ontstaat de muziek.
Geïnspireerd door de veranderende aard van kleuren en licht, staat de zeefdrukreeks AURORA die ik momenteel ontwikkel, symbool voor een breder experiment en project rond het werken met kleurlagen en de interferentie tussen rasterpatronen en kleuren om subtiele kleurverlopen te creëren. Ik streef ernaar de druktechniek zelf, in dit geval de zeefdruktechniek, zo volledig mogelijk te integreren in het creatieve proces. Het 'kleurbeeld' ontstaat dus letterlijk tijdens het drukproces.
Om dit concept zo ver mogelijk door te voeren, tracht ik voor dit project zoveel mogelijk los te komen van de 'vorm' of directe representatie. De kleurverlopen die je ziet op het oppervlak zijn het resultaat van een ontwerpconcept dat pas tot leven komt wanneer het wordt toegepast in de druktechniek. Met andere woorden: de kleuren verschijnen tijdens het drukken.
Meer nog: ik probeer de kleuren boven het oppervlak te laten uitkomen door gebruik te maken van chromatische inductie en optische kleurenmengingen waarbij kleuren bovenop het gedrukte oppervlak verschijnen; wat de vlakke print een meerdimensionale werking geeft. Door laag op laag te drukken en het gebruik van transparante kleurlagen ontstaat het uiteindelijke werk. Deze werkwijze toont tevens op welke manier ik het liefst de Grafiekkunst beoefen. Als een instrumentenbouwer construeer ik drukvormen, platen en sjablonen; tijdens het drukproces ontstaat de muziek.
Als een instrumentenbouwer construeer ik drukvormen, platen en sjablonen; tijdens het drukproces ontstaat de muziek.
Geïnspireerd door de veranderende aard van kleuren en licht, staat de zeefdrukreeks AURORA die ik momenteel ontwikkel, symbool voor een breder experiment en project rond het werken met kleurlagen en de interferentie tussen rasterpatronen en kleuren om subtiele kleurverlopen te creëren. Ik streef ernaar de druktechniek zelf, in dit geval de zeefdruktechniek, zo volledig mogelijk te integreren in het creatieve proces. Het 'kleurbeeld' ontstaat dus letterlijk tijdens het drukproces.
Om dit concept zo ver mogelijk door te voeren, tracht ik voor dit project zoveel mogelijk los te komen van de 'vorm' of directe representatie. De kleurverlopen die je ziet op het oppervlak zijn het resultaat van een ontwerpconcept dat pas tot leven komt wanneer het wordt toegepast in de druktechniek. Met andere woorden: de kleuren verschijnen tijdens het drukken.
Meer nog: ik probeer de kleuren boven het oppervlak te laten uitkomen door gebruik te maken van chromatische inductie en optische kleurenmengingen waarbij kleuren bovenop het gedrukte oppervlak verschijnen; wat de vlakke print een meerdimensionale werking geeft. Door laag op laag te drukken en het gebruik van transparante kleurlagen ontstaat het uiteindelijke werk. Deze werkwijze toont tevens op welke manier ik het liefst de Grafiekkunst beoefen. Als een instrumentenbouwer construeer ik drukvormen, platen en sjablonen; tijdens het drukproces ontstaat de muziek.
FR
Comme un fabricant d’instruments, je construis des formes d’impression, des plaques et des pochoirs ; pendant le processus d’impression,
la musique émerge.
Inspirée par la nature changeante des couleurs et de la lumière, la série sérigraphique AURORA que je développe actuellement symbolise une expérience et un projet plus larges autour du travail sur les couches de couleurs et l’interférence entre les motifs de la trame et les couleurs pour créer des gradients subtils. Je cherche à intégrer au maximum la technique d’impression elle-même, en l’occurrence la sérigraphie, dans le processus de création. L’image couleur prend littéralement forme au cours du processus d’impression.
Pour pousser ce concept aussi loin que possible, j’essaie pour ce projet de m’éloigner le plus possible de la forme ou de la représentation directe. Les dégradés de couleurs que vous voyez sur la surface résultent d’un concept de design qui ne prend vie que lorsqu’il est appliqué dans une technique d’impression. En d’autres termes, les couleurs apparaissent pendant l’impression.
En outre, j’essaie de faire apparaître les couleurs au-dessus de la surface en utilisant l’induction chromatique et le mélange optique des couleurs, où les couleurs apparaissent au-dessus de la surface imprimée, ce qui donne à l’impression plane un effet multidimensionnel. Grâce à des couches successives et à l’utilisation de couches de couleurs transparentes, la sérigraphie prend forme. Cette méthode de travail illustre également la façon dont je préfère pratiquer la gravure. Comme un luthier, je construis des formes d’impression, des plaques et des pochoirs ; au cours du processus d’impression, la musique émerge.
Comme un fabricant d’instruments, je construis des formes d’impression, des plaques et des pochoirs ; pendant le processus d’impression,
la musique émerge.
Inspirée par la nature changeante des couleurs et de la lumière, la série sérigraphique AURORA que je développe actuellement symbolise une expérience et un projet plus larges autour du travail sur les couches de couleurs et l’interférence entre les motifs de la trame et les couleurs pour créer des gradients subtils. Je cherche à intégrer au maximum la technique d’impression elle-même, en l’occurrence la sérigraphie, dans le processus de création. L’image couleur prend littéralement forme au cours du processus d’impression.
Pour pousser ce concept aussi loin que possible, j’essaie pour ce projet de m’éloigner le plus possible de la forme ou de la représentation directe. Les dégradés de couleurs que vous voyez sur la surface résultent d’un concept de design qui ne prend vie que lorsqu’il est appliqué dans une technique d’impression. En d’autres termes, les couleurs apparaissent pendant l’impression.
En outre, j’essaie de faire apparaître les couleurs au-dessus de la surface en utilisant l’induction chromatique et le mélange optique des couleurs, où les couleurs apparaissent au-dessus de la surface imprimée, ce qui donne à l’impression plane un effet multidimensionnel. Grâce à des couches successives et à l’utilisation de couches de couleurs transparentes, la sérigraphie prend forme. Cette méthode de travail illustre également la façon dont je préfère pratiquer la gravure. Comme un luthier, je construis des formes d’impression, des plaques et des pochoirs ; au cours du processus d’impression, la musique émerge.
COLOUR
I found out that colour has no fixed location.
Colour, in its purest form is energy, a wavelength with its own -vibrating- electromagnetic field. Colour has always fascinated me. Especially by screen printing and studying different colour theories, I started to see and experience colour in a new way. While screen-printing, I discovered colours above the printed surface, a phenomenon arising from optical color mixing. Colours are not static but rather dependent on neighbouring colours, ambient light, human perception, in short, the entire context in which we perceive them. I realised that colour has no fixed location. Or in other words, colours are not intrinsically present in the objects that surround us. Building on this, I developed the series Colour/ Spaces #22 in 2022. My starting point for this work was: how can I create colours that appear more than a metre above the work? In making this work, I focused on a few insights from 'De la loi du contraste simultané des couleurs' by Eugéne Chrevreul. One of his key insights when working with colour can be found here: "because only one colour is never seen, side-by-side colours are always subject to each other's radiation". Chrevreul called this mutual influence simultaneous contrast.
Perception unfolds in the space between the viewer and the perceived; there is no strict separation between these two elements.
Reflection on colour, light, and space has become a constant theme in the printmaking work I have been developing in recent years. Here, I approach visual perception as a direct (read: in the here and now) and dynamic process. Within this context, the viewer's position plays a central role in the process of 'seeing'. Perception unfolds in the space between the viewer and the perceived. There is no longer a strict separation between these two elements; instead, a hybrid 'intermediate space' emerges.
Colour, in its purest form is energy, a wavelength with its own -vibrating- electromagnetic field. Colour has always fascinated me. Especially by screen printing and studying different colour theories, I started to see and experience colour in a new way. While screen-printing, I discovered colours above the printed surface, a phenomenon arising from optical color mixing. Colours are not static but rather dependent on neighbouring colours, ambient light, human perception, in short, the entire context in which we perceive them. I realised that colour has no fixed location. Or in other words, colours are not intrinsically present in the objects that surround us. Building on this, I developed the series Colour/ Spaces #22 in 2022. My starting point for this work was: how can I create colours that appear more than a metre above the work? In making this work, I focused on a few insights from 'De la loi du contraste simultané des couleurs' by Eugéne Chrevreul. One of his key insights when working with colour can be found here: "because only one colour is never seen, side-by-side colours are always subject to each other's radiation". Chrevreul called this mutual influence simultaneous contrast.
Perception unfolds in the space between the viewer and the perceived; there is no strict separation between these two elements.
Reflection on colour, light, and space has become a constant theme in the printmaking work I have been developing in recent years. Here, I approach visual perception as a direct (read: in the here and now) and dynamic process. Within this context, the viewer's position plays a central role in the process of 'seeing'. Perception unfolds in the space between the viewer and the perceived. There is no longer a strict separation between these two elements; instead, a hybrid 'intermediate space' emerges.
Ik kwam er achter dat kleur geen vaste locatie heeft.
Kleur, in zijn puurste vorm is energie, een golflengte met zijn eigen -trillend- elektromagnetisch veld. Kleur heeft me altijd gefascineerd. Vooral door te zeefdrukken en verschillende kleurtheorieën te bestuderen ben ik kleur op een nieuwe manier gaan zien en ervaren. Bij het zeefdrukken ontdekte ik kleuren boven het gedrukte oppervlak, als een fenomeen dat onder meer ontstaat door optische kleurmening. Kleuren zijn niet statisch, toch afhankelijk van naburige kleuren, omgevingslicht, de menselijke perceptie, kortom de hele context waarin we ze waarnemen. Ik kwam er achter dat kleur geen vaste locatie heeft. Of anders gezegd: kleuren zijn niet intrinsiek aanwezig in de de objecten die ons omringen. Voortbouwend hierop ontwikkelde ik in 2022 de reeks Colour/ Spaces #22. Mijn uitgangspunt bij dit werk was: hoe kan ik kleuren creëren die meer dan een meter boven het werk verschijnen? Bij het maken van dit werk heb ik me daarbij gericht op een paar inzichten uit 'De la loi du contraste simultané des couleurs' van Eugéne Chrevreul. Een van zijn belangrijkste inzichten als je werkt met kleur vind je hier terug: "omdat er nooit slechts één kleur wordt gezien, zijn naast elkaar liggende kleuren altijd onderhevig aan elkaars straling". Deze wederzijdse invloed noemde Chrevreul het simultaan contrast.
Perceptie ontvouwt zich zo in de ruimte tussen de toeschouwer en het waargenomene; er is geen strikte scheiding meer tussen deze twee elementen.
De reflectie op kleur, licht en ruimte is een constante geworden in het grafisch werk dat ik de laatste jaren ontwikkel. Hierbij benader ik visuele perceptie als een direct (lees: in het hier en nu) en dynamisch proces. Binnen deze context speelt de positie van de kijker een centrale rol in het proces van 'zien'. Perceptie ontvouwt zich zo in de ruimte tussen de toeschouwer en het waargenomene. Er is geen strikte scheiding meer tussen deze twee elementen; in plaats daarvan ontstaat een hybride 'tussenruimte'.
Kleur, in zijn puurste vorm is energie, een golflengte met zijn eigen -trillend- elektromagnetisch veld. Kleur heeft me altijd gefascineerd. Vooral door te zeefdrukken en verschillende kleurtheorieën te bestuderen ben ik kleur op een nieuwe manier gaan zien en ervaren. Bij het zeefdrukken ontdekte ik kleuren boven het gedrukte oppervlak, als een fenomeen dat onder meer ontstaat door optische kleurmening. Kleuren zijn niet statisch, toch afhankelijk van naburige kleuren, omgevingslicht, de menselijke perceptie, kortom de hele context waarin we ze waarnemen. Ik kwam er achter dat kleur geen vaste locatie heeft. Of anders gezegd: kleuren zijn niet intrinsiek aanwezig in de de objecten die ons omringen. Voortbouwend hierop ontwikkelde ik in 2022 de reeks Colour/ Spaces #22. Mijn uitgangspunt bij dit werk was: hoe kan ik kleuren creëren die meer dan een meter boven het werk verschijnen? Bij het maken van dit werk heb ik me daarbij gericht op een paar inzichten uit 'De la loi du contraste simultané des couleurs' van Eugéne Chrevreul. Een van zijn belangrijkste inzichten als je werkt met kleur vind je hier terug: "omdat er nooit slechts één kleur wordt gezien, zijn naast elkaar liggende kleuren altijd onderhevig aan elkaars straling". Deze wederzijdse invloed noemde Chrevreul het simultaan contrast.
Perceptie ontvouwt zich zo in de ruimte tussen de toeschouwer en het waargenomene; er is geen strikte scheiding meer tussen deze twee elementen.
De reflectie op kleur, licht en ruimte is een constante geworden in het grafisch werk dat ik de laatste jaren ontwikkel. Hierbij benader ik visuele perceptie als een direct (lees: in het hier en nu) en dynamisch proces. Binnen deze context speelt de positie van de kijker een centrale rol in het proces van 'zien'. Perceptie ontvouwt zich zo in de ruimte tussen de toeschouwer en het waargenomene. Er is geen strikte scheiding meer tussen deze twee elementen; in plaats daarvan ontstaat een hybride 'tussenruimte'.
J’ai découvert que la couleur n’a pas de lieu fixe.
La couleur, dans sa forme la plus pure, est une énergie, une longueur d’onde avec son propre champ électromagnétique vibrant. La couleur m’a toujours fasciné. C’est surtout grâce à la sérigraphie et à l’étude de différentes théories de la couleur que j’ai commencé à voir et à expérimenter la couleur d’une nouvelle manière. En sérigraphie, j’ai découvert des couleurs au-dessus de la surface imprimée, un phénomène résultant du mélange optique des couleurs. Les couleurs ne sont pas statiques mais dépendent plutôt des couleurs voisines, de la lumière ambiante, de la perception humaine, bref, de tout le contexte dans lequel nous les percevons. Je me suis rendu compte que la couleur n’a pas d’emplacement fixe. En d’autres termes, les couleurs ne sont pas intrinsèquement présentes dans les objets qui nous entourent. Sur cette base, j’ai développé la série Colour/Spaces #22 en 2022. Mon point de départ pour cette œuvre était le suivant : comment puis-je créer des couleurs
qui apparaissent à plus d’un mètre au-dessus de l’œuvre ? En réalisant cette œuvre, je me suis concentré sur quelques idées tirées de De la loi du contraste simultané des couleurs d’Eugéne Chrevreul. L’une de ses principales réflexions sur le travail avec la couleur se trouve ici : « Comme on ne voit jamais qu’une seule couleur, les couleurs juxtaposées
sont toujours soumises au rayonnement de l’une et de l’autre ». Chrevreul appelait cette influence mutuelle le contraste simultané.
La perception se déploie dans l’espace entre le spectateur et le perçu ; il n’y a pas de séparation stricte entre ces deux éléments.
La réflexion sur la couleur, la lumière et l’espace est devenue un thème constant dans le travail de gravure que j’ai développé ces dernières années. J’aborde la perception visuelle comme un processus direct (c’est-à-dire ici et maintenant) et dynamique. Dans ce contexte, la position du spectateur joue un rôle central dans le processus de vision. La perception se déploie dans l’espace entre le spectateur et ce qui est perçu. Il n’y a plus de séparation stricte entre ces deux éléments, mais un espace intermédiaire hybride émerge.
La couleur, dans sa forme la plus pure, est une énergie, une longueur d’onde avec son propre champ électromagnétique vibrant. La couleur m’a toujours fasciné. C’est surtout grâce à la sérigraphie et à l’étude de différentes théories de la couleur que j’ai commencé à voir et à expérimenter la couleur d’une nouvelle manière. En sérigraphie, j’ai découvert des couleurs au-dessus de la surface imprimée, un phénomène résultant du mélange optique des couleurs. Les couleurs ne sont pas statiques mais dépendent plutôt des couleurs voisines, de la lumière ambiante, de la perception humaine, bref, de tout le contexte dans lequel nous les percevons. Je me suis rendu compte que la couleur n’a pas d’emplacement fixe. En d’autres termes, les couleurs ne sont pas intrinsèquement présentes dans les objets qui nous entourent. Sur cette base, j’ai développé la série Colour/Spaces #22 en 2022. Mon point de départ pour cette œuvre était le suivant : comment puis-je créer des couleurs
qui apparaissent à plus d’un mètre au-dessus de l’œuvre ? En réalisant cette œuvre, je me suis concentré sur quelques idées tirées de De la loi du contraste simultané des couleurs d’Eugéne Chrevreul. L’une de ses principales réflexions sur le travail avec la couleur se trouve ici : « Comme on ne voit jamais qu’une seule couleur, les couleurs juxtaposées
sont toujours soumises au rayonnement de l’une et de l’autre ». Chrevreul appelait cette influence mutuelle le contraste simultané.
La perception se déploie dans l’espace entre le spectateur et le perçu ; il n’y a pas de séparation stricte entre ces deux éléments.
La réflexion sur la couleur, la lumière et l’espace est devenue un thème constant dans le travail de gravure que j’ai développé ces dernières années. J’aborde la perception visuelle comme un processus direct (c’est-à-dire ici et maintenant) et dynamique. Dans ce contexte, la position du spectateur joue un rôle central dans le processus de vision. La perception se déploie dans l’espace entre le spectateur et ce qui est perçu. Il n’y a plus de séparation stricte entre ces deux éléments, mais un espace intermédiaire hybride émerge.
CMYK
In the workshops I organise for screen printing, intaglio and relief printing, I introduce students to the use of the CMYK colour system.
On the one hand as basic primary mixing colours to mix other colours (together with white and transparent) and on the other hand in the application of four-colour printing. I also work intensively with students on different applications of four-colour printing and the various methodologies involved.
For the printmaker, this creates an enormous playground of artistic possibilities. Although originally designed for printing processes, with the main goal of accurately reproducing images, this colour system lends itself excellently to experiments with other colours, the use of self-made inks, manipulating grids, shifting print layers in relation to each other, and so on. The specific colours developed for the CMYK system are also special. For example, cyan cannot be directly compared to a natural pigment because it is composed of different pigments and chemicals.
In de ateliers die ik organiseer voor zeefdruk, diepdruk en hoogdruk, introduceer ik studenten in het gebruik van het CMYK-kleursysteem.
Enerzijds als basis-primaire mengkleuren om ander kleuren te mengen (samen met wit en transparant) en anderzijds in het toepassen van de vierkleurendruk. Daarnaast werk ik intensief met de studenten aan verschillende toepassingen van de vierkleurendruk en de diverse methodieken die daarbij komen kijken.
Hier ontstaat voor de graficus een enorm speelveld aan artistieke mogelijkheden. Hoewel oorspronkelijk ontworpen voor drukprocessen, met als hoofddoel de nauwkeurige reproduceerbaarheid van afbeeldingen, leent dit kleursysteem zich uitstekend voor experimenten met andere kleuren, het gebruik van zelfgemaakte inkten, het manipuleren van rasters, het verschuiven van druklagen ten opzichte van elkaar, enzovoort. De specifieke kleuren die voor het CMYK systeem ontwikkeld worden zijn ook bijzonder. Zo is bijvoorbeeld cyaan niet direct te vergelijken met een natuurlijk pigment, omdat het is samengesteld uit verschillende pigmenten en chemicaliën.
Dans les ateliers que j’organise pour la sérigraphie, l’héliogravure et l’impression en relief, j’initie les étudiants à l’utilisation du système de
couleurs CMJN.
D’une part, en tant que couleurs primaires de base pour mélanger d’autres couleurs
(avec le blanc et le transparent) et, d’autre part, dans l’application de l’impression en quadrichromie. Je travaille également de manière intensive avec les étudiants sur les différentes applications de la quadrichromie et les diverses méthodologies impliquées.
Pour le graveur, cela crée un énorme terrain de jeu de possibilités artistiques. Bien qu’il ait été conçu à l’origine pour les processus d’impression, dans le but principal de reproduire fidèlement les images, ce système de couleurs se prête parfaitement aux expériences avec d’autres couleurs, à l’utilisation d’encres fabriquées par l’artiste, à la manipulation des trames, au décalage des couches d’impression les unes par rapport aux autres, etc. Les couleurs spécifiques développées pour le système CMJN sont également particulières. Par exemple, le cyan ne peut être directement comparé à un pigment naturel, car il est composé de pigments et de produits chimiques différents.
The medium is the message
Printmaking distinguishes itself primarily, for example, from Drawing and Painting, by the fact that it does not work directly on the surface to be printed (the substrate) but always uses a matrix, or a printing plate. For me, at the heart of this distinction lies the essence of the creative process inherent in printmaking. Simplified, this process consists of four 4 parts: 1. design/print concept, 2. creation/development of the printing plate, 3. the printing process itself, and 4. the impression - the print.
There is always a form of delay or 'deferment' inherent in the creation of graphic prints. This 'deferment' creates a space where new forms and processes can emerge, allowing the meta-language of the medium to be understood and shaped with and through the artist's concepts and imagination. The space and time thus created offer the artist the opportunity to delve deeper into a 'visual concept.' Inherent in the métier of printmaking is the critical approach to an explosively growing visual culture.
This profound engagement with the medium has proven to become increasingly relevant in printmaking over the past decades and to this day. It applies to every aspect of the process in printmaking. It is not only an enrichment but perhaps a necessity for today's printmaker-artist to understand and shape all aspects of this process, from the types of ink, the specific substrate, the analog and digital techniques used, the printing process, the printing press, in short, all materials and products used in the creation process, to the repetitive element in graphic printmaking, the edition, the multiple..., the presentation of the work, etc.
The question for the printmaker-artist, of course, is: in what way do you know how to open and unfold this space, to integrate it into the artistic-creative process of your own work?
De Drukkunst onderscheidt zich primair bijvoorbeeld van Tekenkunst en Schilderkunst door het feit dat het niet rechtstreeks op het te bedrukken oppervlak werkt (de drager), maar altijd gebruikmaakt van een matrix, oftewel een drukplaat. In het hart van dit onderscheid ligt voor mij de essentie van het creatieve proces dat inherent is aan de grafische kunst. Vereenvoudigt gesteld, bestaat dit proces uit vier 4 delen: 1. het ontwerp/drukconcept, 2. de creatie/ontwikkeling van de drukplaat, 3. het drukproces zelf en 4. de afdruk - de print.
Er is dus altijd een vorm van vertraging of 'uitstel' inherent aan de creatie van grafisch print-werk. Dit 'uitstel' creëert een ruimte waar nieuwe vormen en processen kunnen ontstaan, waardoor de meta-taal van het medium begrepen en vormgegeven kan worden met en door de concepten en de verbeelding van de kunstenaar. De ruimte en tijd die hierdoor ontstaat biedt de kunstenaar de mogelijkheid om diep(-er) in een 'beeldconcept' te duiken. Inherent dus ook aan het métier van de grafische kunsten is er de kritische benadering op een explosief gegroeide beeldcultuur.
Deze diepgaande betrokkenheid op het medium blijkt in drukkunsten de afgelopen decennia en tot op de dag van vandaag steeds relevanter te worden en is van toepassing op elk aspect van het proces in Grafiekkunst. Het is niet alleen een verrijking maar wellicht een noodzaak voor de graficus van vandaag om alle aspecten van dit proces te begrijpen en vorm te geven, van de inktsoorten, de specifieke drager, de gebruikte analoge en digitale technieken, het drukprocédé, de drukpers, kortom alle materialen en producten die bij het maakproces gebruikt worden, tot het repetitieve element in de grafische drukkunsten, de editie, the multiple,…, de presentatie van het werk etc.
De vraag voor de graficus-kunstenaar is natuurlijk: op welke manier weet je deze ruimte open te trekken en open te vouwen, te integreren in het artistieke-creatieve ontstaansproces van je eigen werk?
La gravure se distingue principalement, par exemple, du dessin et de la peinture, par le fait qu’elle ne travaille pas directement sur la surface à imprimer (le support) mais utilise toujours une matrice, ou une plaque d’impression. Au cœur de cette distinction se trouve pour moi l’essence même du processus créatif inhérent à la gravure. Pour simplifier, ce processus se compose de quatre parties :
1. la conception/le concept d’impression, 2. la création/le développement de la plaque d’impression, 3. le processus d’impression lui-même,
et 4. l’impression - le tirage.
Il y a toujours une forme de retard ou de report inhérente à la création d’impressions graphiques. Ce report crée un espace où de nouvelles formes et de nouveaux processus peuvent émerger, permettant au méta-langage du médium d’être compris et façonné avec et par les concepts et l’imagination de l’artiste. L’espace et le temps ainsi créés offrent à l’artiste la possibilité d’approfondir un concept visuel. L’approche critique d’une culture visuelle en pleine expansion est inhérente au métier de graveur.
Cet engagement profond avec le médium s’est avéré de plus en plus pertinent dans la gravure au cours des dernières décennies et jusqu’à aujourd’hui. Il s’applique à tous les aspects du processus de la gravure. C’est non seulement un enrichissement, mais peut-être une nécessité pour l’artiste-graveur d’aujourd’hui de comprendre et de façonner tous les aspects de ce processus, depuis les types d’encre, le support spécifique, les techniques analogiques et numériques utilisées, le processus d’impression, la presse à imprimer, bref, tous les matériaux et produits utilisés dans le processus de création, jusqu’à l’élément répétitif dans la gravure graphique, l’édition, le multiple…, la présentation de l’œuvre, etc.
La question qui se pose à l’artiste graveur est bien sûr la suivante : de quelle manière savez-vous ouvrir et déployer cet espace, l’intégrer dans le processus de création artistique de votre propre travail ?
1. la conception/le concept d’impression, 2. la création/le développement de la plaque d’impression, 3. le processus d’impression lui-même,
et 4. l’impression - le tirage.
Il y a toujours une forme de retard ou de report inhérente à la création d’impressions graphiques. Ce report crée un espace où de nouvelles formes et de nouveaux processus peuvent émerger, permettant au méta-langage du médium d’être compris et façonné avec et par les concepts et l’imagination de l’artiste. L’espace et le temps ainsi créés offrent à l’artiste la possibilité d’approfondir un concept visuel. L’approche critique d’une culture visuelle en pleine expansion est inhérente au métier de graveur.
Cet engagement profond avec le médium s’est avéré de plus en plus pertinent dans la gravure au cours des dernières décennies et jusqu’à aujourd’hui. Il s’applique à tous les aspects du processus de la gravure. C’est non seulement un enrichissement, mais peut-être une nécessité pour l’artiste-graveur d’aujourd’hui de comprendre et de façonner tous les aspects de ce processus, depuis les types d’encre, le support spécifique, les techniques analogiques et numériques utilisées, le processus d’impression, la presse à imprimer, bref, tous les matériaux et produits utilisés dans le processus de création, jusqu’à l’élément répétitif dans la gravure graphique, l’édition, le multiple…, la présentation de l’œuvre, etc.
La question qui se pose à l’artiste graveur est bien sûr la suivante : de quelle manière savez-vous ouvrir et déployer cet espace, l’intégrer dans le processus de création artistique de votre propre travail ?
Białowieża Forest, Billboard Version | screen print installation
Another way in which I consciously use certain specific properties of colour is in the work "Białowieża Forest, Billboard Version" (2023). I took the original anaglyphic photographs for this image during the summer of 2022 in the ancient Białowieża Forest in Poland. The Białowieża Forest is situated on the border between Belarus and Poland and represents one of the last and largest remaining sections of the vast primeval forest that once stretched across the European plain. Each of the eight screen-printed image compositions is composed of different rhythms of line and point grids, which act as counterpoints in the composition. The gridding of the image layers functions here as a tool to accentuate specific elements and to rhythmically generate new visual components within the composition.
The design process of this work was particularly fascinating for me; as if balancing on a tightrope stretched between deconstruction and reconstruction-transformation. For me, the image manipulations within this work symbolise not only the appearance and disappearance, but more specifically the dissolution of the representational image. Simultaneously, they also indicate its restructuring, relating to both the imaginary space and the symbolic space of the forest and the actual/ real space.
In other words, a new space unfolds, partially rooted in the existing. The work is developed as both a composite graphic image and an anaglyphic image. With a 3D glasses (color: cyan - red), you experience the spatiality of the photographed scene. The color filters separate the two overlapping photos embedded in the image for each eye, with the brain reinterpreting the color information into a three-dimensional image.
The design process of this work was particularly fascinating for me; as if balancing on a tightrope stretched between deconstruction and reconstruction-transformation. For me, the image manipulations within this work symbolise not only the appearance and disappearance, but more specifically the dissolution of the representational image. Simultaneously, they also indicate its restructuring, relating to both the imaginary space and the symbolic space of the forest and the actual/ real space.
In other words, a new space unfolds, partially rooted in the existing. The work is developed as both a composite graphic image and an anaglyphic image. With a 3D glasses (color: cyan - red), you experience the spatiality of the photographed scene. The color filters separate the two overlapping photos embedded in the image for each eye, with the brain reinterpreting the color information into a three-dimensional image.
Een andere wijze waarbij ik bepaalde specifieke eigenschappen van kleur bewust gebruik is in het werk Białowieża Forest, Billboard Version (2023). De oorspronkelijke anaglyphische foto’s voor dit beeld heb ik genomen tijdens de zomer van 2022 in het oerbos Bialowieza in Polen. Het Białowieża Bos ligt op de grens tussen Wit-Rusland en Polen en vertegenwoordigt een van de laatste en grootste overgebleven delen van het uitgestrekte oerbos dat zich ooit over de Europese vlakte uitstrekte. Elk van de 8 gezeefdrukte beeldcomposities is opgebouwd uit verschillende ritmes van lijn- en puntrasters, die fungeren als contrapunten in de compositie. Het rasteren van de beeldlagen fungeert hier als een instrument om specifieke elementen te benadrukken en om nieuwe visuele componenten ritmisch in de compositie te genereren.
Het ontwerpproces van dit werk was bijzonder fascinerend voor mij; als balanceren op een koord die gespannen staat tussen deconstructie en reconstructie-transformatie. De beeldmanipulaties binnen dit werk symboliseren voor mij niet alleen het verschijnen en verdwijnen, maar specifieker de ontbinding van het representatieve beeld. Tegelijkertijd, geven ze ook de herstructurering ervan aan, met betrekking tot zowel de denkbeeldige ruimte als de symbolische ruimte van het bos en de werkelijke ruimte.
Of met andere woorden, er ontluikt een nieuwe ruimte die zich deels ent op de reeds bestaande ruimte van het bos. Het werk is zowel ontwikkeld als een samengesteld grafisch beeld als een anaglyphisch beeld. Met een 3D-bril (kleur: cyaan - rood) ervaar je de ruimtelijkheid van het gefotografeerde tafereel. Door de kleurfilters worden de twee overlappende foto's die in het beeld zijn verwerkt van elkaar gescheiden voor elk oog, waarbij de hersenen de kleurinformatie opnieuw interpreteren tot een driedimensionaal beeld.
Het ontwerpproces van dit werk was bijzonder fascinerend voor mij; als balanceren op een koord die gespannen staat tussen deconstructie en reconstructie-transformatie. De beeldmanipulaties binnen dit werk symboliseren voor mij niet alleen het verschijnen en verdwijnen, maar specifieker de ontbinding van het representatieve beeld. Tegelijkertijd, geven ze ook de herstructurering ervan aan, met betrekking tot zowel de denkbeeldige ruimte als de symbolische ruimte van het bos en de werkelijke ruimte.
Of met andere woorden, er ontluikt een nieuwe ruimte die zich deels ent op de reeds bestaande ruimte van het bos. Het werk is zowel ontwikkeld als een samengesteld grafisch beeld als een anaglyphisch beeld. Met een 3D-bril (kleur: cyaan - rood) ervaar je de ruimtelijkheid van het gefotografeerde tafereel. Door de kleurfilters worden de twee overlappende foto's die in het beeld zijn verwerkt van elkaar gescheiden voor elk oog, waarbij de hersenen de kleurinformatie opnieuw interpreteren tot een driedimensionaal beeld.
Une autre façon dont j’utilise consciemment certaines propriétés spécifiques de la couleur se trouve dans l’œuvre Białowie˙za Forest, Billboard Version (2023). J’ai pris les photographies anaglyphes originales pour cette image pendant l’été 2022 dans l’ancienne forêt de Białowie˙za en Pologne. La forêt de Białowie˙za est située à la frontière entre la Biélorussie et la Pologne et représente l’une des dernières et plus grandes sections restantes de la
vaste forêt primitive qui s’étendait autrefois sur la plaine européenne. Chacune des huit compositions d’images sérigraphiées est composée de différents rythmes de trames de lignes et de points, qui agissent comme des contrepoints dans la composition. Le quadrillage des couches d’images fonctionne ici comme un outil permettant d’accentuer des éléments spécifiques et de générer rythmiquement de nouvelles composantes visuelles au sein de la composition.
Le processus de conception de cette œuvre a été particulièrement fascinant pour
moi, comme si j’étais en équilibre sur une corde raide tendue entre la déconstruction et
la reconstruction-transformation. Pour moi, les manipulations d’images dans ce travail symbolisent non seulement l’apparition et la disparition, mais plus spécifiquement la dissolution de l’image de représentation.
Simultanément, elles indiquent également sa restructuration, liée à la fois à l’espace imaginaire et à l’espace symbolique de la forêt et à l’espace réel. En d’autres termes, un nouvel espace se déploie, partiellement enraciné dans l’existant. L’œuvre est développée à la fois comme une image graphique composite et comme une image anaglyphe. Avec des lunettes 3D (couleur : cyan - rouge), vous faites l’expérience de la spatialité de la scène photographiée. Les filtres de couleur séparent les deux
photos superposées intégrées dans l’image pour chaque œil, le cerveau réinterprétant les informations de couleur en une image tridimensionnelle.
vaste forêt primitive qui s’étendait autrefois sur la plaine européenne. Chacune des huit compositions d’images sérigraphiées est composée de différents rythmes de trames de lignes et de points, qui agissent comme des contrepoints dans la composition. Le quadrillage des couches d’images fonctionne ici comme un outil permettant d’accentuer des éléments spécifiques et de générer rythmiquement de nouvelles composantes visuelles au sein de la composition.
Le processus de conception de cette œuvre a été particulièrement fascinant pour
moi, comme si j’étais en équilibre sur une corde raide tendue entre la déconstruction et
la reconstruction-transformation. Pour moi, les manipulations d’images dans ce travail symbolisent non seulement l’apparition et la disparition, mais plus spécifiquement la dissolution de l’image de représentation.
Simultanément, elles indiquent également sa restructuration, liée à la fois à l’espace imaginaire et à l’espace symbolique de la forêt et à l’espace réel. En d’autres termes, un nouvel espace se déploie, partiellement enraciné dans l’existant. L’œuvre est développée à la fois comme une image graphique composite et comme une image anaglyphe. Avec des lunettes 3D (couleur : cyan - rouge), vous faites l’expérience de la spatialité de la scène photographiée. Les filtres de couleur séparent les deux
photos superposées intégrées dans l’image pour chaque œil, le cerveau réinterprétant les informations de couleur en une image tridimensionnelle.
INSPIRATION
The ability of colours to swiftly and almost inherently set our mood in motion.
I find my inspiration in both daily observations of light and colour and in the study of (art) historical, psychological, philosophical, and scientific theories on the nature of colours and colour perception. The phenomenon of colour reveals its full scope and enduring relevance when considered from the perspective of all these disciplines. Colour, light, space..., inextricably interconnected. I might compare them most to a form of visual music. A recommended reference for those working interdisciplinarily is certainly the book 'See This Sound, Audiovisuology - A Reader,' which explores the relationship between image (and therfore colour) and sound in a fusion of art disciplines, science, and technology.
It endlessly captivates me: the apparent obviousness of perceiving colours and, at the same time, the complex interplay of the underlying structures and processes involved. The ability of colours to swiftly and almost inherently set our mood in motion. The creation of photons by nuclear fusion in the sun, where light is forged, as it were, and after several tens of thousands of years (sometimes much longer) manages to escape through the sun's layers, only to shine, just 8 minutes and 20 seconds later, on our retina. There, they are converted into electrical signals by the cones in our eyes, to be translated and unfolded in our brain into thousands of colour shades. In this crackling fireworks in our heads, or rather, in this journey from photons to colourful perception, a connection between the universe and our -inner- world unfolds.
I find my inspiration in both daily observations of light and colour and in the study of (art) historical, psychological, philosophical, and scientific theories on the nature of colours and colour perception. The phenomenon of colour reveals its full scope and enduring relevance when considered from the perspective of all these disciplines. Colour, light, space..., inextricably interconnected. I might compare them most to a form of visual music. A recommended reference for those working interdisciplinarily is certainly the book 'See This Sound, Audiovisuology - A Reader,' which explores the relationship between image (and therfore colour) and sound in a fusion of art disciplines, science, and technology.
It endlessly captivates me: the apparent obviousness of perceiving colours and, at the same time, the complex interplay of the underlying structures and processes involved. The ability of colours to swiftly and almost inherently set our mood in motion. The creation of photons by nuclear fusion in the sun, where light is forged, as it were, and after several tens of thousands of years (sometimes much longer) manages to escape through the sun's layers, only to shine, just 8 minutes and 20 seconds later, on our retina. There, they are converted into electrical signals by the cones in our eyes, to be translated and unfolded in our brain into thousands of colour shades. In this crackling fireworks in our heads, or rather, in this journey from photons to colourful perception, a connection between the universe and our -inner- world unfolds.
Het vermogen van kleuren om ons gemoed snel en haast vanzelfsprekend in beweging te brengen
Mijn inspiratie vind ik zowel in dagelijkse observaties van licht en kleur als uit het bestuderen van (kunst-)historische, psychologische, filosofische en wetenschappelijke theorieën over de aard van kleuren en kleurwaarneming. Het fenomeen kleur onthult zijn volledige reikwijdte en blijvende relevantie pas wanneer het wordt beschouwd vanuit het perspectief van al deze disciplines. Kleur, licht, ruimte…, onlosmakelijk met elkaar verbonden, vergelijk ik misschien nog het liefst als een vorm van visuele muziek. Een aanbevolen referentie voor wie interdisciplinair werkt, is zeker het boek 'See This Sound, Audivisuology - A Reader', dat de relatie tussen beeld (en dus ook kleur) en geluid verkent in een samensmelting van kunstdisciplines, wetenschap en technologie.
Het boeit me mateloos: de schijnbare evidentie van het waarnemen van kleuren en tegelijkertijd het complexe samenspel van de onderliggende structuren en processen die ermee betrokken zijn. Het vermogen van kleuren om ons gemoed snel en haast vanzelfsprekend in beweging te brengen. Het ontstaan van fotonen door kernfusie in de zon, waar licht als het ware gesmeed wordt en na enkele tienduizenden jaren (soms zelfs veel langer) doorheen de lagen van de zon weet te ontsnappen, om vervolgens, slechts 8 minuten en 20 seconden later, op onze retina te schijnen. Daar worden ze door de kegeltjes in onze ogen omgezet in elektrische signalen, om in onze hersenen te worden vertaald en opengevouwen tot duizenden kleurnuances. In dit knetterende vuurwerk in ons hoofd, of beter gezegd, in deze reis van fotonen tot kleurrijke perceptie ontvouwt zich een verbondenheid tussen het universum en onze -innerlijke- wereld.
Mijn inspiratie vind ik zowel in dagelijkse observaties van licht en kleur als uit het bestuderen van (kunst-)historische, psychologische, filosofische en wetenschappelijke theorieën over de aard van kleuren en kleurwaarneming. Het fenomeen kleur onthult zijn volledige reikwijdte en blijvende relevantie pas wanneer het wordt beschouwd vanuit het perspectief van al deze disciplines. Kleur, licht, ruimte…, onlosmakelijk met elkaar verbonden, vergelijk ik misschien nog het liefst als een vorm van visuele muziek. Een aanbevolen referentie voor wie interdisciplinair werkt, is zeker het boek 'See This Sound, Audivisuology - A Reader', dat de relatie tussen beeld (en dus ook kleur) en geluid verkent in een samensmelting van kunstdisciplines, wetenschap en technologie.
Het boeit me mateloos: de schijnbare evidentie van het waarnemen van kleuren en tegelijkertijd het complexe samenspel van de onderliggende structuren en processen die ermee betrokken zijn. Het vermogen van kleuren om ons gemoed snel en haast vanzelfsprekend in beweging te brengen. Het ontstaan van fotonen door kernfusie in de zon, waar licht als het ware gesmeed wordt en na enkele tienduizenden jaren (soms zelfs veel langer) doorheen de lagen van de zon weet te ontsnappen, om vervolgens, slechts 8 minuten en 20 seconden later, op onze retina te schijnen. Daar worden ze door de kegeltjes in onze ogen omgezet in elektrische signalen, om in onze hersenen te worden vertaald en opengevouwen tot duizenden kleurnuances. In dit knetterende vuurwerk in ons hoofd, of beter gezegd, in deze reis van fotonen tot kleurrijke perceptie ontvouwt zich een verbondenheid tussen het universum en onze -innerlijke- wereld.
La capacité des colorants à mettre rapidement
et presque intrinsèquement notre humeur en mouvement.
Je trouve mon inspiration à la fois dans l’observation quotidienne de la lumière et de
la couleur et dans l’étude des théories historiques, psychologiques, philosophiques et scientifiques (de l’art) sur la nature des couleurs et leur perception. Le phénomène de
la couleur révèle toute son ampleur et sa pertinence durable lorsqu’il est considéré sous l’angle de toutes ces disciplines. La couleur, la lumière, l’espace… sont inextricablement liés. Je pourrais les comparer à une forme de musique visuelle. Le livre See This Sound, Audiovisuology - A Reader, qui explore la relation entre l’image (et donc la couleur)
et le son dans une fusion de disciplines artistiques, scientifiques et technologiques,
est certainement une référence recommandée pour ceux qui travaillent de manière interdisciplinaire.
Je suis toujours captivé par l’apparente évidence de la perception des couleurs et, en même temps, par l’interaction complexe des structures et des processus sous-jacents. La capacité des couleurs à mettre rapidement et presque intrinsèquement notre humeur en mouvement. La création de photons par fusion nucléaire dans le soleil, où la lumière est pour ainsi dire forgée et, après plusieurs dizaines de milliers d’années (parfois beaucoup plus), parvient à s’échapper à travers les couches du soleil pour briller, à peine 8 minutes et 20 secondes plus tard, sur notre rétine. Là, elles sont converties en signaux électriques par les cônes de nos yeux, pour être traduites et dépliées dans notre cerveau en des milliers de nuances de couleurs. Dans ce feu d’artifice crépitant dans nos têtes, ou plutôt dans ce voyage des photons à la perception colorée, une connexion entre l’univers et notre monde intérieur se met en place.
et presque intrinsèquement notre humeur en mouvement.
Je trouve mon inspiration à la fois dans l’observation quotidienne de la lumière et de
la couleur et dans l’étude des théories historiques, psychologiques, philosophiques et scientifiques (de l’art) sur la nature des couleurs et leur perception. Le phénomène de
la couleur révèle toute son ampleur et sa pertinence durable lorsqu’il est considéré sous l’angle de toutes ces disciplines. La couleur, la lumière, l’espace… sont inextricablement liés. Je pourrais les comparer à une forme de musique visuelle. Le livre See This Sound, Audiovisuology - A Reader, qui explore la relation entre l’image (et donc la couleur)
et le son dans une fusion de disciplines artistiques, scientifiques et technologiques,
est certainement une référence recommandée pour ceux qui travaillent de manière interdisciplinaire.
Je suis toujours captivé par l’apparente évidence de la perception des couleurs et, en même temps, par l’interaction complexe des structures et des processus sous-jacents. La capacité des couleurs à mettre rapidement et presque intrinsèquement notre humeur en mouvement. La création de photons par fusion nucléaire dans le soleil, où la lumière est pour ainsi dire forgée et, après plusieurs dizaines de milliers d’années (parfois beaucoup plus), parvient à s’échapper à travers les couches du soleil pour briller, à peine 8 minutes et 20 secondes plus tard, sur notre rétine. Là, elles sont converties en signaux électriques par les cônes de nos yeux, pour être traduites et dépliées dans notre cerveau en des milliers de nuances de couleurs. Dans ce feu d’artifice crépitant dans nos têtes, ou plutôt dans ce voyage des photons à la perception colorée, une connexion entre l’univers et notre monde intérieur se met en place.
I am a Brussels based artist, my primary artistic practice involves screen printing and intaglio printmaking, using my camera as a sketchbook. My fascination lies in landscapes and the phenomenon of colour, especially as sensual reality. In my work I use visible grid lines and optical colour blends as compositional elements. The intrinsic structure of the image is as relevant to me as its actual representational content. I consciously use the meta-language of a printing technique to shape my work and transform it into a sensuous reality.
We are trained to interpret the content of images, to instantly dissect their form and structure, and to automatically ascribe meaning to them. Typically, we regard images as static texts.
In my silkscreen work, visual perception transforms into a direct and dynamic process. Within this context, the viewer’s position assumes a central role in interpreting the image. Upon encountering my work, one swiftly realizes that perception unfolds in the space between the observer and the observed. There is no longer a strict separation between these two elements; instead, a fluid ‘in- between’ takes shape.
The image itself consists of a blend of colors and pigments that absorb specific frequencies, while reflecting others, forming rhythmic structures that seem to extend into the surrounding space. This interplay imparts a three-dimensional quality to the otherwise two-dimensional image.
As observers, we, through our movements and changes in distance and perspective in relation to the artwork, perceive (or, perhaps, even create) various facets of the image.
As an artist, I invite you to embark on a journey of perception that relies on your position as the viewer, transcending mere representation. This approach encourages us to immerse ourselves in a spatiotemporal realm that emerges from the interactive interplay between two surfaces: the retina and the canvas.